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张 复 利 简 介

1964,11月生于安徽淮北市，1987年毕业于安徽师范大学美术系版画专业，文学学士学位，中央美术学院油画研修，曾为淮北师范大学特聘教师，上海油雕院高级油画研修班学习。现为中国美术家协会会员，中国油画学会会员，上海美术家协会会员，浦东青联委员，上海黄浦区美术家协会理事，独立艺术家，自由撰稿，策展人，现工作居住于上海。作品多次入选国际国内与文化部中国美协等艺术机构举办的各类美展，如：1997建党70周年美展，文化部97中国艺术大展，1998中国近现代绘画展｛中国文联｝，2001中国美协“中国油画大展”，2001“爱我中华”全国美展获优秀奖，2009全国中青年艺术家推荐展，2011全国中青年艺术家推荐展，2012上海-俄罗斯油画交流展，2014第十二届全国美展获奖进京作品展并巡回展出｛提名奖｝，第十二届全国美展水彩粉画展，第十二届全国美展综合材料展，第十二届全国美展论文入选，2016中国美协“西部大地情”全国美展，2016中国美协“全国民族美术双年展”｛入会资格｝，2017上海当代国际艺术交流展，2019中国中青年油画家年度提名展，2019上海当代国际美术交流展，2019中国美协第二届全国水粉画大展，2019中国美协第八届大芬全国中青年油画展，2019长三角美术作品展。作品曾入选十一届全国美展上海选拔展并选送全国，十二届全国美展上海选拔展并选送全国，十三届全国美展上海选拔展等十余次上海市美协举办的官方美展并获江南之春美展一等奖，二等奖，曾参展几十余次上海艺术家联展，多次举办个人画展与双个展等.

策展：

2019中国当代中青年油画名家年度提名展｛上海王狮美术馆｝

2016双城记-上海厦门八人油画展｛厦门张雄美术馆，上海东海岸艺术中

2016和而不同-上海中青年油画家邀请展｛浦东图书馆｝

2015写意石园-上海画家石园写生作品展｛周浦艺术中心｝

2015那山，那山-双人油画展｛中国财富艺术馆｝

2014远行-上海油画家八人展｛周浦美术馆｝

2013问景致境-上海浦东四人油画展｛东海岸艺术中心｝

2013问道风景-上海油画家十五人展｛浦东图书馆｝

2009春天里-浦东，松江油画家邀请展｛浦东图书馆，松江美术馆｝

2008浦东印象-上海中青年写实油画名家十一人展｛张江当代艺术馆｝

2007我思我行-上海油画名家七人展｛上海我们画廊｝

2001自由感觉-上海油画家五人展｛上海长安画廊｝

1998梦想，诗意的吟唱-双人油画展｛上海大剧院｝

1998浪漫，怀旧的恋曲-双人油画展｛史丹尼艺术空间｝

作品收藏：

上海龙美术馆,浦东少年宫,张江当代美术馆，中国美协,上海美协,天津博物馆,郑州博物馆,浦东图书馆,中国历史博物馆,浦东文化艺术中心,周浦美术馆,朱家角人文艺术馆以及国内外画廊与收藏家收藏.

著作有:

《梦中的记忆-张复利油画集》.《中国当代新具象名家系列-张复利油画集》,《诗意的遨游-张复利油画集》,《春梦了无痕1-张复利绘画26年》,《春梦了无痕2-张复利绘画作品集》,《闲梦远-张复利诗画作品集》共六集。

疫 情 期 间 的 绘 画 思 考

张复利/文

一场突如其来的疫情，颇令人逐不及防，为响应上级号召，大家都宅在家中自我隔离，在这段艰难的日子里，相信每一个中国人都急切地期盼着疫情赶快过去，春天尽快到来，渴望恢复往日的正常工作与生活--------。

▲《等待春天》尺寸：150X150cm

在这个似乎旷日持久的与病魔作斗争的日子里，我在想，除了正常的生活与网上工作教学外，还有不少完整与多余的时间该怎么打发？学校的画室即不能去，那就在家里找个地方画画吧，不料想这一画竟然停不下来，一批作品便应运而生。

▲《丝路花语》尺寸：160X160cm

一旦拿起画笔，似乎又一发不可收，同时还产生了些许对绘画的思考，几日前的网课教学内容是：“笔墨当随时代”，想必我们最近在微信上也看了无数的关于抗击疫情的各类作品，那么我就先从这个问题开始探讨吧。

▲《小画家的空间》尺寸：150X150cm

“笔墨当随时代”是清末四僧石涛的名言，原意是：艺术家不能一成不变的固守传统，要画出自己所处时代特点的绘画，如何做到这一点？那就是要“搜尽奇峰打草稿”。艺术家不能固步自封，要有开阔的艺术视野，要面对自然，写我心中风景。

▲《泊NO.1》尺寸：100X80cm

其实在我看来，石涛是从绘画本体的角度来阐述他的艺术观点的，即：艺术家要画出具有自己所处时代特征的笔墨，并非说仅以绘画来表达自身所处时代所发生的事件，那只是用绘画作为记录的功能，并非绘画本身的探究，我们都知道清朝末年，民不聊生，文字狱着实令人毛骨悚然，文人画家们只好躲进深山，或搜尽奇峰用绘画寄情于山水，或借梅兰竹菊托物言志，几乎无人敢讲述当代发生的故事，更不要说用绘画的形式去表现社会现象了｛与他们相比我们当代的画家就幸运多了｝，所以画家们的精力更多研究的是绘画本体。

▲《泊NO.2》尺寸：70X70cm

然而正是这一从绘画本体出发的理念，却给中绘画的带来极大的发展空间与历史性变革，此后;便不断有大家诞生，一直影响到民国时期，中国的山水与花鸟画便出现了一坐坐高峰与代表人物，而且至今无人能企及。

▲《泊NO3》尺寸：50X60cm

“笔墨当随时代”这句话很容易被人简单的理解成画家在画这个时代所发生的事件，那么我们用绘画在讲述这个时代的故事与事件，这样的绘画算不算笔墨当岁时代？在今天看来我个人认为这只是“笔墨当随时代”理念中极小的一部分含义｛是绘画的题材部分｝，因为每个画家也可能在用自己的笔墨与方法进行创作，所以准确的说，这种绘画是艺术家在讲故事的一种绘画，记录的功能远大于绘画本身，如果从广义的角度理解，这远远不能说明“笔墨当随时代“这句话的真正含义。

▲《泊NO.4》尺寸：100X80cm

每个时代都具有自己不同的特点而且也是在不断发展革新，艺术家只有充分了解自己的时代特征才能更好的表达，比如中国的唐代，作为中国封建社会的黄金时代，艺术家笔下的人物工整，辉煌，富贵，润泽，尽显大唐盛世风采，但后来随着国力的衰退，特别是到了唐灭亡后的五代时期，可谓战乱频繁，民不聊生，文人画家多隐居深山，然而当时大唐遗韵犹存，所以艺术家笔下的大山大水，依然颇具盛唐遗韵与恢宏气势。

▲《泊NO.5》尺寸：100X80cm

让我们视觉转到西方社会，也同样道理，19世纪诞生现代主义绘画是缘于西方工业革命的结果，因此此时产生的绘画充分体现了现代社会的多元观点与艺术理念，而也只能在这样的社会环境下才能诞生现代主义绘画，现代主义绘画结束了西方古代长期的绘画叙事功能，塞尚首次提出绘画本体论的重要，因此他被尊称为现代绘画之父，其实在塞尚自己看来他还没有完成自己内心对绘画所要达到的最终目的，但是他的伟大在于启发了后世的艺术家，他也是第一个把艺术家通过绘画来表达自己内心与这个世界关联并把这一思想形成理论指引的一位大师，他一生用自己无数次的实验来验证他的这一观点，着重表现物体之间的内在关联，物体内在结构的关联，不同物体之间色彩的关联等等绘画整体的方面来进行他的艺术创作的，其实在我看来这与石涛的“笔墨当随时代”竟有不谋而合之处。因此这也证明了绘画艺术只有从绘画本体出发才有发展的可能性，艺术家生活在自己的时代，必须了解这个时代的所需与特征，那么我们这个时代的最大特征是什么？一定是多元并存而绝不是单一的表达样式，文革时期的假大空与高大全已让我们的绘画到退多年，可是今天却依然还有许多保守的理念与毫无创造性的模仿泛滥成灾。还有许多从事绘画的人自己都搞不清绘画的本质是什么，所以我们的绘画总是停滞不前。

▲《泊NO.6》尺寸：100X80cm

我们的绘画至今并没有随着我们国力的提升而可以顺利并输出走向国际，许多人可能认为这是西方社会对我们的排斥与意识形态还有价直观等缘故，可是在我看来绝非如此简单，我认为是我们的绘画水平还没达到，自己面貌还没出现的原因，我们基本还是在模仿西方与复制前人，这样的绘画怎能在国际上挣得一席之地？西方对我们古代的绘画顶礼膜拜，对我们近现代的绘画也趋之如骛，能在国际上争得一席之地的画家还不是常玉，吴大羽，赵无极等人，西方如果排斥我们为何不连这些画家一并排斥？所以在我看来还是我们当代画家的艺术水准问题，严格说我们还没有画出属于这个时代的杰作，我们与前辈大家比较所欠缺的主要是文化底蕴而不是表面的技术问题。

▲《泊NO.7》尺寸：80X70cm

我们当下绘画的主要特征是融合，融合不是民族主义，而是一种开放的境界，赵无极等人的成功证明了蔡元培先生”东西融汇“理念的先见之明，今天我们所理解的融合更是一种绘画的革命性变革，理念融合，技术融合，绘画的边界融合，材料融合等等，是一种大的审美观的改变，具有时代意义。

▲《泊NO.8》尺寸：170X150cm

中国当下发生疫情，我认为正是给我们带来更多的静下心来对绘画思考的机会，我们的思考当然更多要从艺术的角度出发，如何做到“笔墨当随时代”？艺术家手中的画笔当然要为这个社会尽自己的绵薄之力，责无旁贷，但“艺术何为”这个问题恐怕要伴随我们一生的创作与反思，只有这样我们才有可能诞生杰出的艺术家，我们只有敢于超越古人与过去才具有希望，一味追随与模仿绝无出路，一味的实用主义也绝无出路。

▲《泊NO.9》尺寸：50X60cm

当下社会并不利于艺术发展，商业炒作依然此起彼伏，依然无所不用其极，但我们要清醒的认识到，许多作品还不能称之为艺术，只有那些留在历史上的大师杰作，才可以拥有此荣耀，现在的一些商业作品再怎么炒作也只能是昙花一现，就好比二战后经济崛起的日本，很善于炒作自己的画家一样，以同样在巴黎留学的画家藤田祠志与中国的画家常玉为例，一个在当时就被日本炒作成大师，一个是无人问津到贫困交加而客死他乡。其实藤田的作品只是比一般画家水平高些，作品死板无精神，只是基础较好而已，艺术性并没有他们捧得那么高，而常玉作品其文化底蕴之深，绘画本体之魅力，深得西方简约形式之精华，中西合璧，简而不单，可堪称顶级大师，当时却一文不名，今天我们再来比较一下便知结果如何，当年叱咤风云的藤田作品被炒成天价，现在却在国际上消身匿迹，而中国的画家常玉，却在国际上大放光彩，原因何在？作品艺术性上的差距之故。

▲《泊NO.10》尺寸：50X60cm

今天日本还在用这样的手段在炒作他们的四大名山｛只是相对他们而言不错的绘画｝，当代的宫崎骏与草间弥生，村上隆等商业插画家的作品，在我看来这些作品毫无绘画性艺术性可言，顶多算不错的设计类作品，可是却被他们当作最顶级的艺术来炒作，他们就是欺骗许多人不懂艺术是什么与好奇猎艳的从众心里，还有虚荣心里，让不是艺术的东西堂而皇之的披上艺术的外衣令人天价追捧，更可笑的是国内的艺术机构与藏家们却趋之若鹜，愚昧所至，草间弥生的作品毫无精神意义而只具备神经性。

▲《泊NO.11》尺寸：50X60cm

所以我要说明的是绘画还是要具有绘画性才有价值，画家喜欢画什么，喜欢怎么画那是画家的自由，无可厚非，没有对错，但作品出来是给观众评判的，所以有好坏高低之分，一些人始终在混淆这一概念，把艺术平庸化，竭力贬低艺术的高尚感，一些绘画低俗不堪还称之为个性，这的确是一个鱼龙混杂的时代，所以欣赏者要睁大自己的眼睛，锻炼出自己的识别能力而不是人云亦云。

古往今来凡伟大的作品无不是具有绘画本体的特性，伟大的画家无不在自己的绘画世界里表达自己内心的真实，这个真实不是过去古代写实式的逼真与再现，而是艺术家对这个世界对这个时代的认识，还有艺术家始终要思考的是“绘画何为”？所以德国新表现主义画家吕佩尔兹说“绘画的意义在于绘画本身”，我以为这话可以一生伴随我的创作。

▲《泊NO.12》尺寸：50X60cm

不知道现在我们有多少人思考过当今社会为何出不了大画家这个问题，我们的社会可以让艺术家自由表达，我们的条件远胜于过去的艺术家，可是结果仍是令人失望与离大师遥不可及的距离，在我看来主要原因有以下几点：1，文化底蕴的不足，与过去的画家不可同日而语。2，对艺术的本质理解不到位，这是致命的问题。3，功利心让我们无法望尽天涯路，固步自封，缺少探索精神。

▲《泊NO.13》尺寸：80X80cm

综上所述，疫情期间，绘画之余，便留下以上诸多思考，思考之余便依然感到绘画的前路漫漫，还需不断上下求索，继续走自己所选定的路，方不会改变初衷。

尽管生活不易，即使一生磨难，尽管病毒困扰，但有绘画相伴，投入其中，便能忘我，不亦快哉。

2020年3月15日 写于上海市郊

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