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劳瑞·安德森（Laurie Anderson，1947）是美国前卫艺术、实验音乐和独立文化的传奇人物。此次展览中，安德森探索了在博物馆空间呈现多重叙事的潜力，其早期作品将与最新的艺术项目相遇，展开一场关于时间与存在、沉默与喧嚣的反思。

自20世纪70年代中期凭借表演和录像作品取得的突破，劳瑞·安德森身为作家、作曲家和电影制作人的身份也逐渐崭露头角。倾听、语言和讲故事的方式是她跨学科实践的基本要素，其实验范围之广阔，从哲学和个人思考到对紧迫的政治问题均进行了积极干预。

安德森作为电子音乐的先驱至今仍活跃在国际上，她致力于新技术艺术的前沿领域，如虚拟现实（VR）和人工智能（AI）—— 与此同时，她仍然会使用声音、绘画或炭笔画等传统艺术表达形式进行创作。

Looking into a Mirror Sideways

“侧身照镜子”（Looking into a Mirror Sideways）是劳瑞·安德森迄今为止在欧洲举办的最大个展。它呈现了一种关于时间、地点和存在的叙事。

在这次展览中，从20世纪70年代至今安德森的代表性作品开始，将与其全新、特定地点下创作的艺术相辅相成：概念艺术、表演、创新乐器、作曲、舞台表演，以及社会活动和政治艺术。展览是关于物理材料和技术的有机结合—— 其中包含了绘画、雕塑、模拟摄影、磁带和胶片，以及数字世界的新型论坛模式。

在安德森的一些作品中，他还探讨了主体和身份的问题，即我们所扮演和被赋予的角色，例如关于艺术家的瑞典祖父阿克塞尔·埃弗莱姆·安德森（Axel Efraim Anderson，1881-1963）的故事。

劳瑞·安德森，《不在当下：侧身照镜子》，1975

音乐和声音是劳瑞·安德森作品的基础。言语、停顿，甚至是倾听，都是她创作和表演的核心。自20世纪70年代以来，安德森一直在试验特定地点下的声音作品。她的作品受到了几何学、语言学以及日常声音的影响。伴随着时间的推移，她一直将音乐与表演、电影和技术创新相结合，最终作品在多媒体舞台的表现中达到顶峰，例如《美国I-IV》（United States I–IV，1983）和歌剧《白鲸记》（Moby Dick，1999）。

劳瑞·安德森，《美国I-IV》，1983，表演。纽约布鲁克林音乐学院。

此外，她还发明了新的乐器。在《磁弓小提琴》（Tape Bow Violin）中，弓上的马鬃被磁带所取代。录音中的声音被转换成重复的音律，即使它们承载着许多音景，也不包含任何意义。在《鼓服》（Drum Suit）中，身体变成了一件乐器，鼓机的零件被缝在工作服里；而在《鼓镜》（Drum Glasses）中，头颅变成了音箱。20世纪90年代的高科技作品《说话棒》（Talking Stick）对舞台上的声音进行了采样，并以新的形式重新播放。

劳瑞·安德森，《磁弓小提琴》，1977。

劳瑞·安德森，《留声机》（Viophonograph），1977。

劳瑞·安德森正在演奏着《留声机》，1977。

在《公民》（Citizens）中，房间里充满了人物磨刀的金属声，每个人都按照自己的节奏磨刀。这既是一幅抽象的声音作品，也是关于朋友的肖像，同时还是围绕2020美国大选年紧张气氛的一个快照。

劳瑞·安德森，《鼓镜》，1979，电影剧照。

对语言和媒体的兴趣贯穿了劳瑞·安德森的艺术实践——这是她在写作和叙事性作品中经常使用的主题，也是作为原材料和现象学的收集方式。

20世纪70年代，安德森的密友兼合作者、美国作家威廉·巴勒斯（William S. Burroughs，1914-97）就将语言比作来自外太空的病毒。安德森说，语言是一种我们永远也无法完全控制的自我生成系统——其关系更确切地讲，就像一种乐器演奏着我们一样。如今的人工智能技术可以从更广泛的来源中自动生成全新的文本，它巧妙地模仿了每个人的行为习惯、语气和语言风格。

我们在任何特定时刻如何措辞，或者我们如何叙述一段经历，都塑造了我们的记忆和身份。一些作品代表了安德森早年的经历，这些经历决定了她对文字力量的理解。这样的时刻，会塑造我们的余生，有时被描述为垂直的时间——一闪而过，似乎穿过了所有其他的经验，就像穿过时间流逝的线性经验轴一样。

20世纪60至70年代的纽约是一个动荡和充满创造力的世界，劳瑞·安德森后来将其与20年代同样极具活力的巴黎相提并论。当时，她所在的圈子受到了国际激浪派运动（Fluxus movement）的启发，该运动重视凌驾传统艺术品之上的思想。根据时代精神，街道成为他们的工作室，艺术家们合作无间并蓬勃发展。一件艺术品可以是一场阅读，一场横跨城市屋顶的舞蹈，或者是一家艺术家经营的餐厅。

安德森最早的作品是用一些与身体有关的简单材料制作而成的雕塑。穆德拉（Mudras）用佛教的手势将语言投射为形象，作品《当我们听到你时》（When You We're Hear）是一件声音雕塑，只有触摸它的人才能深度的体验到它的魅力。

摄影和写作是探索主体与客体、梦想与现实的工具。当安德森探索她本身的瑞典祖籍时，镜头变成了一面镜子—— 通过重复学习过的短语或模仿英格玛·伯格曼（Ingmar Bergman，1918-2007）的电影《假面》（Persona，1966）中的镜头角度和手势。在舞台上，安德森扮演着各种各样的角色，有时她会借助技术来改变自己的声音，比如权威的男性声音。

在9/11事件之后，安德森与穆罕默德·埃尔·加拉尼（Mohammed el Gharani，1986）合作举办了一场示威活动。作为关塔那摩监狱（Guantánamo）里最年轻的囚犯，他被指控在12岁时参与策划了恐怖袭击，后来于2009年被释放并驱逐出境时，加拉尼没有任何有效的公民身份。这部作品的标题是《人身保护令》（Habeas Corpus）—— 一项旨在保护人们免受任意监禁的法律原则。2015年，在安德森的纽约音乐会期间，这位无国籍的难民通过一场盛大的现场直播与公众见面，讲述了他在加纳的一个工作室的故事。该作品强调了将个人变成为游戏中棋子的政治局势，同时也强调了被剥夺身份、时间和记忆的噩梦。

劳瑞·安德森经常使用会说话的雕塑、各种模拟全息图景的创作形式。当有人出现在房间里时，时间和空间的距离就被暂停了，即使是作品的多个层次——雕塑、声音、投影图像，都标志着与观众的实际距离。正如法国文化理论家罗兰·巴特（Roland Barthes，1915-80）对摄影艺术的描述:“存在意味着缺席。”人与人之间直接、未经过滤的交流真是一种幻觉吗？

劳瑞·安德森，《人身保护令》，2015。

To the Moon

在《奔向月球》（To the Moon）中，劳瑞·安德森和黄心建（Hsin-Chien Huang，1966）利用了虚拟现实技术，将我们带到一个超越物理世界的地方。在这里，你将穿越月球神秘的表面，进行一场梦幻般的探索之旅。

自由、冒险和流浪是劳瑞·安德森作品中经常出现的主题：从被生与死包围的人类个体旅程，到美国宪法中规定的追求幸福的权利。人类似乎有能力在平行世界之间无缝切换，而无需真正意识到从梦境至清醒状态的转变，或者持有理性、科学的世界观或精神信仰。

这种体验是被动和互动的混合体。有些时候，你可以自由地飞行和探索环境，而有些时候，你只能静静地看着场景慢慢展开。

对于希腊神话、文学、科学、电影和政治的引用也在这种体验中闪过，为我们仍然活着但脆弱的星球提供了新型视角。太空是安德森作品中另一个反复出现的主题；2002年，她接受美国宇航局（NASA）邀请成为美国航天局的第一位驻地艺术家。

《奔向月球》是与台湾艺术家黄心健一起合作完成的项目。

劳瑞·安德森，《奔向月球》，2018，VR电影剧照。

劳瑞·安德森 & 黄心健，《奔向月球》，2018，VR电影剧照。

ARK

劳瑞·安德森的《方舟》（ARK）中的洪水并不像《圣经》故事中那样是对人类罪孽的惩罚，而是“云”（iCloud）爆炸的结果，人类所积累的知识会随着雨水降落在地球而丢失。

安德森曾说过，她说话是为了了解这个世界。她的故事挖掘了自己的观察与经验，但同时也借鉴了文学作品、神话和新科学。一个故事可能会扩展并成为一个完整的舞台作品，就像她最新的歌剧《方舟》一样。这部作品将于2024年在曼彻斯特首映，它是安德森基于《圣经》中诺亚方舟的故事，又在多重背景下创造出的另一个主题。

大量的艺术史和当代人物现象出现在这部史诗中，它提供了更多的问题而非答案。佛陀与基督教中更为严格的关于上帝的争论——如何拯救世界？或者说，世界末日是否真的是一切问题的最终目标和意义。

在斯德哥尔摩当代美术馆（Moderna Museet），安德森将《方舟》中的许多场景作为空间装置形式进行了展示。

劳瑞·安德森，《方舟 - 云》（ARK – Cloud），2023。

劳瑞·安德森，《方舟 - 所有的动物》（ARK – All the Animals）

劳瑞·安德森，《方舟 - 这艘船》（ARK – The Boat），2023。

劳瑞·安德森，《方舟 - 方舟》（ARK – The Ark），2023。

Biography

劳瑞·安德森，1947年生于美国芝加哥郊区的格伦埃林，她是一位作家、导演、作曲家、视觉艺术家、音乐家和歌手，她创作了跨越艺术、戏剧、实验音乐和技术领域的开创性作品。1981年，专辑《超人啊》（O Superman）开启了她的唱片生涯。

劳瑞·安德森的现场表演从简单的口语到丰富的多媒体舞台表演，如八小时的《美国》（United States，1982）、《空的地方》（Empty Places，1990）、《白鲸的歌曲和故事》（Songs and Stories from Moby Dick，1999）和《妄想》（Delusion，2010）。2002年，安德森被任命为美国国家航空航天局的第一位常驻艺术家，并在2004年以其个人巡回演出《月球的尽头》（The End of the Moon）达到了事业顶峰。

安德森创作了大量的视听装置和电影——故事片《勇敢者之家》（Home of the Brave，1986）、《卡门》（Carmen，1992）和《深山秘境》（Hidden Inside Mountains，2005）等等。其中，她的电影《狗心》（Heart of a Dog，2015）被选为2015年威尼斯和多伦多电影节的官方精选影片。同年，她的展览《人身保护令》（Habeas Corpus）在公园大道的军械库开幕，并受到广泛好评。2016年，她凭借该项目获得了小野洋子艺术勇气奖。

劳瑞·安德森，在1985年导演拍摄电影《勇敢者之家》。

劳瑞·安德森，《鼓舞》（Drum Dance），1986。出自《勇敢者之家》

劳瑞·安德森，《狗心》，2015，电影剧照。

作为一名表演者和音乐家，她与许多名人合作过，包括威廉·巴勒斯、布莱恩·伊诺（Brian Eno，1948）、让-米歇尔·雅尔（Jean-Michel Jarre，1948）、彼得·加布里埃尔（Peter Gabriel，1950）、罗伯特·威尔逊（Robert Wilson，1941）、克里斯蒂安·麦克布莱德（Christian McBride，1972）和菲利普·格拉斯（Philip Glass，1937）。她创作的四重奏和管弦乐作品《阿米莉亚之歌》（Songs for Amelia，2001）在世界各地的音乐节和音乐厅演出，她还发明了一系列新乐器和电子雕塑。安德森在与华纳唱片公司（Warner）和Nonesuch唱片公司合作的录音生涯中，已出版了十本书籍，并获得了五项格莱美奖的提名。她与克罗诺斯四重奏（Kronos Quartet）合作发行的《登陆》（Landfall）在2018年荣获了格莱美奖。

作为一名作曲家，安德森曾为维姆·文德斯（Wim Wenders，1945）和乔纳森·戴米（Jonathan Demme，1944-2017）的电影配乐，也为比尔·提·琼斯（Bill T. Jones，1952）、崔莎·布朗（Trisha Brown，1936-2017）、莫莉萨·芬利（Molissa Fenley，1954）的舞蹈作品以及包括罗伯特·勒佩吉在内的戏剧作品提供过作曲配乐。她还为国家公共广播电台、法国文化和英国广播公司创作了作品。她策划过多个大型音乐节，包括2010年的悉尼声光音乐节（Vivid Festival）和1997年的伦敦皇家节日大厅的溶化音乐节（Meltdown Festival）。

她的视觉作品也在许多画廊和博物馆展出，2003年，法国里昂当代艺术博物馆（Musée d’art contemporain de Lyon）举办了她的巡回回顾展，名为“时间的记录：劳瑞·安德森作品中的声音”（The Record of the Time：Sound in the Work of Laurie Anderson）。2010年，她的视觉和装置作品回顾展在巴西圣保罗开幕，随后又前往里约热内卢巡回展出。安德森在华盛顿特区的史密森尼赫希洪博物馆（The Smithsonian's Hirshhorn Museum）举办的最大个展“天气”（The Weather，2021-22），通过她的视频、表演、装置、绘画和其他媒体的作品，展示了艺术家讲述故事的过程。她的视觉作品在麻萨诸塞州当代艺术博物馆（MASS MoCA）长期展出，她与艺术家黄心健合作的三部虚拟现实作品《航员室》（Chalkroom）、《在空中》（Aloft）和《奔向月球》在2017年第74届威尼斯国际电影节上荣获了包括最佳VR体验奖在内的多个奖项，并于2019年在戛纳电影节上展出。

安德森获得了许多荣誉博士学位和国际大奖，其中包括古根海姆奖、多萝西/丽莲·吉许荣誉奖和沃尔夫奖。2021年，她担任了哈佛大学查尔斯·艾略特·诺顿诗歌教授（Charles Eliot Norton Professor of Poetry），并以视频形式发表诺顿讲座（现在该讲座已提供在线观看）。她还与澳大利亚阿德莱德的机器学习研究所（Machine Learning Institute in Adelaide）合作展开过许多人工智能项目，2020年她在那里担任驻场艺术家。安德森仍在继续巡演她不断发展的表演项目《坠落的艺术》（The Art of Falling），并正在创作受曼彻斯特国际艺术节委托的歌剧《方舟》，此项目将于2024年首演。

从1992年开始，她与伴侣及合作伙伴卢·里德（Lou Reed，1942-2013）一起工作和生活。他们于2008年结婚，在2013年里德去世之前他们合作完成了许多项目。目前安德森生活和工作在纽约市。

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