明确目标

所有的指板理论/指型只是「工具」，仅仅是帮助我们更好表达内心音乐的「手段」。想象一下你是萨克斯手、键盘手、歌手、提琴手该如何去solo呢？音乐家表达音乐的内核手段是一样的，只不过放在了不同的乐器上罢了。  

Barrett Tagliarino的《Guitar Fretboard Workbook》说得很好：音阶、琶音、和弦只不过是练习，会让你逐渐无聊烦躁。我们越快掌握这些基础，才能越快开始演奏真正令人兴奋的音乐！但如果缺乏这些基础，我们在演奏细腻的音乐内容的时候，就容易遇到非常多的令人沮丧的障碍。

By themselves, scales, chords, and arpeggios are nothing but exercises and will bore you. The sooner you learn these basics, the sooner you will start playing real music that excites you. Attempting to play music of any sophistication without these fundamentals will likely lead to frustration.

Guthrie在《Creative Guitar》一书中也说道：大部分人看来音阶是一种枯燥的练习，其实不然。音阶是可以在特定的和弦/和弦进行上发出美妙的声音的一系列音符，你可以用这些音符创造出美好的旋律与和弦。

Scales are often misunderstood as being mere technical exercises. In fact, a scale is a lot more than that; it's a collection of notes that sounds good over a particular chord or series of chords. You can play these notes in any order and you can combine them to create harmony lines or chords.

所以在学习音阶时，音乐永远是第一位的，其目的是为了创造出好听的音乐，而非为了学习音阶而学习。

你可以找到非常多的指型速记法，但当我们对这些指型足够熟悉之后，这些记忆法就不那么重要了，似乎所有的和弦、琶音、音阶都自然而然的在手里直接就出来了，仿佛被印到指板上了一样。所以你用哪套记忆法都没所谓，最后都是殊途同归的。这时候，工具才真正服务于音乐。

学习音阶、和弦，就像学习字母和单词。我们最终的目的是表达美好的语言，而字母和单词都是表达语言的工具。所以我们不能仅仅只去了解如何去快速记忆这些工具，而同时要在音乐层面去认知音乐表达的基本原理。

正如Victor Wooten说的：站在岸上学不会游泳，你得跳进水里，音乐就是我们的水，这些练习都得放在音乐里，才是真正的演奏音乐。

当然Barrett Tagliarino也强调这条路没有捷径，该花的时间一分都少不了。在这里与大家共勉！

Be patient with yourself. How long it takes is how long it takes.

核心概念

1）和弦与音阶是一回事，是同一个事物的两个方面：

和弦是构筑的音阶，音阶是拆解的和弦

2）了解「音符选择」Note Choice的基本概念，例如：

如何选择和弦对应的音阶；

即兴的时候把和弦音放在重要的位置，凸显旋律性；

其余音阶音可以作为扩展音或经过音；

非音阶音可以增添色彩，但需要小心使用等；

3）剩下就是把内心的音乐，通过指板理论（音阶、和弦、琶音指型等）更轻松地帮助我们在吉他上表达出来；

章节梗概

1～3章节（Part1）

第一章简单介绍了基础乐理。重点是2～3章的如何去「听音符」以及「音符的选择」Note Choice，明白原理之后，需要大家多多练习耳朵对音符的感知力，增强内心音乐的表达能力。更多详细基础乐理可以看这篇文章或者其他相关资料。

Tonal Harmony基础乐理全解——学完就创作！

4～9章节（Part2）

主要讲了把音乐的内容通过指板理论给快速呈现出来的方法。尤其是使用了CAGED的框架，把所有的和弦、琶音、音阶融会贯通在一起。让我们可以快速定位和弦、和弦音、音阶音等。其中最重要的是当我们遇到一个和弦或者和弦进行的时候，如何去思考音符/音阶的选择，然后快速用指型表达出来。

更多详解可以参考这篇文章：

如何用「CAGED系统」解锁所有【和弦、琶音、音阶】——附详细图示+练习方案（Part 1）

10～12章节（Part3）

最后三章比较倾向于爵士乐手的范畴。第10章介绍了扩展音，这也是为什么音阶与和弦可以理解为是一回事的原因。第11章是复杂和声中即兴的基本练习方法，重点是在于「就近原则」。最后一章是我们不断去探索新的音阶，新的声音的通用办法，让我们的音乐表达充满了无限可能。

*注：本文大部分逻辑基于Guthrie Govan 《Creative Guitar》2本书所有关于音阶的内容，并汇总了不同大师的教程、书籍等资料，再者是我自己的理解与总结。

从自然大调开始了解音阶、音程、以及和弦的概念。 

自然大调音阶的音程关系是“全全半全全全半”。该音阶有一个起始的根音（Root），这个根音就代表该自然大调音阶所在的调性中心（key）。我们一般用阿拉伯数字1～7来表示音阶每一级的级数。 

在音阶上，每个字母只能使用一次，例如F#已经用过了，就不能用F只能用E#。

我们再来看看自然大调音阶内的音程关系（根音与其余6个音）：

一个八度内其他的音程关系还有：

通过三度堆叠，我们可以推导出自然大调音阶所包含的7个顺阶三和弦（Diatonic Triads），并用罗马数字来表示他们对应的级数。

这些罗马数字在需要频繁转调的音乐场景中发挥着重要作用。

我们也可以推导出12个调中的顺阶三和弦，如下图。

我们可以利用这些和弦组成一些经典的和弦进行，例如：

但更重要的是，可以自己尝试在一个调的顺阶和弦里，创造一些自己的和弦进行。当然我们也可以尝试在顺阶和弦中偶尔添加一些其他调的和弦，来增加一些味道，大家可以多实践多实验。

和弦的声部排列除了有原位还可以转位，以C major为例，如下图。

所有常见三和弦的名称，标记，以及音程关系，如下图

只有在你能够听出哪一些音符与和弦属于/不属于一个音阶的时候，这个音阶才是有用的。

2）用一个简短的和弦Loop/伴奏，来对应每条音阶的练习。

下面介绍的利用音程与横向移动的两种方法，会让我们的耳朵更加深度的学习到一个音阶的声音。对这些声音的感受会自然而然地丰富我们的演奏。

在练习音阶的时候，不要仅仅从最低音到最高音，再返回来。我们有越多的排列组合方式，才能够越好地运用这些音阶。因为简单的上下行音阶是容易预测的，但是如果在演奏中出现一个7度去上下行的音阶，听起来是不是非常的酷。是否能唱出不同音程下的音阶模进，是检验对该音阶的熟练程度的好方法。

再来看看Frank Gambale的音程练习

单弦演奏可以突破指型的框架，虽然在记忆量不需要太多，但会更加要求我们的耳朵去听音阶。下面两个乐句是我们可能会想到的一些练习，我们可以自己去摸索更多类似的练习。 

(PS：《Advancing Guitarist》 最开始的练习说的就是这个，并且作者Mick Goodrick强调在position把位上的演奏相对于横向的演奏占比可能连一半都没有。他提出在单弦上的练习看似是一种限制，其实是间接把我们的想象力给打开了）

从即兴的角度来说，和弦对应音阶里的音符都是“正确的”，但他们的正确程度不尽相同。所以我们不能简单地认为，可以在和弦对应音阶里随意演奏音符。以Cmajor和弦为例：

在音乐较为重要的位置，例如重音、长音、开始/结束的音、最高/低音等会倾向于优先使用和弦音。但一昧地使用和弦音会使音乐变得高度可测且无聊，所以我们可以在期间穿插一些其他音符，让音乐听起来更有趣。

在吉他手拿到一个音阶的时候，首先想到的事情是我能够把这个音阶弹多快，好让其他的吉他手都惧怕我的技术，这仿佛是刻在每个吉他手DNA里的程序一样。这样的倾向无可厚非，但如果我们想真正把音符利用起来，我们就需要反其道而行之。

音阶里的每一个音都有他独自的quality。不同于我们把音阶弹得越快的倾向，这里建议大家把音阶弹奏得越慢越好。甚至可以让一个音符停留个20秒，慢慢感受这个音符带来的感觉。

五音：听感接近并仅次于根音的音符，但不会有太多稳定感； 

三音：最“旋律性”/“歌唱性”的音符； （三音决定和弦大小，所以可以传递听众你的情绪是开心还是阴郁） 

七音：没有结束的听感，类似于和主调调情的感觉； 

四音：类似于一个疑问句，或者一句话没说完的感觉。Go on? You are saying?； 

二音：更加不和谐一些，把人吊着吊着的感觉，稍微有点tension； （当回到主音的时候会有一种finally，忍受完之后终于回来了的感觉）

建议大家一定要自己多试试看，去体会和感受音符的变化。

我们看待音符不能仅仅用“对”的音，和“错”的音来判断，音符他并不是一个黑白分明的世界，12个音符在不同的背景下，有一个不同程度的“对与错”（亦或者是tension & release）的色彩。

很多的乐理教材会告诉我们所谓的在某一个和弦下正确的调式“音阶”，但实际上并不是“正确音阶”里所有的音符都是悦耳的。我们需要依靠我们内在的音乐感受，问自己：“这个音符放在这里，真的好听吗？”

在音乐演奏中，我们所选择的音符取决于两点：

1）演奏的速度（你弹得多快）；

在慢速演奏中，大部分音符都是精心设计的，例如《Hotel California》的solo，有非常强的旋律性；但在高速乐句中，听众只会勾勒出乐句的大致轮廓，所以很多“错误”音符可以作为passing note，并不需要刻意避免，例如英格威的《Trilogy Suite》。

2）和声节奏（和弦改变频率的快慢）；

在和弦变化极快的音乐中，例如《Giant Step》，我们没有办法一条音阶走天下，因为和声的变化对应了好几条音阶，所以这时候和弦音是我们最好的朋友。在和弦变化很慢的音乐中，例如《Impressions》，我们有足够的时间去把玩音阶里的不同音符。（两首曲子都是爵士大师John Coltrane的作品）

上述内容说明了音阶和和弦音的使用思路，这些思路会贯穿以下所有内容（Part2 & Part3）。接下来就可以看看如果把理论转换到指板上。

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（知乎Ins油管：BOHAN博涵）原文出自我的知乎

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